»I’m more interested in the brush strokes on the canvas and with the colors than the final motif itself.«

In the Studio

Johannes Hägglund

Stockholm

»Ich interessiere mich mehr für die Pinselstriche auf der Leinwand und für die Farben als für das endgültige Motiv.«

Der schwedische Maler Johannes Hägglund gehört zu den wenigen Künstlern seiner Generation, die das Glück hatten, noch in der Kunstschule von einer angesehenen Galerie vertreten zu werden. Während dies einst als Tabu für eine Galerie galt, haben sich die Striktionen in der lokalen Kunstszene langsam gelockert, und zum Zeitpunkt seiner MFA-Absolventenausstellung wird Johannes Hägglund bereits zwei Einzelausstellungen mit der Galerie Forsblom sowohl in Stockholm als auch in Helsinki gezeigt haben. In diesem Interview erläutert Johannes, wie Entscheidungen und Wahlmöglichkeiten in seiner Praxis mit dem ständigen Bestreben zusammenhängen, sein Handwerk als Maler weiterzuentwickeln. Obwohl er weder ein rein abstrakter noch ein figurativer Maler ist, sagt der Künstler, dass er sich weniger für das Motiv als vielmehr für den damit verbundenen malerischen Prozess interessiert. 

Wie lange ist es her, dass du angefangen hast, Kunst zu machen?
Als Kind in den ersten Schuljahren; ich war in Montessori Bildungsprogrammen, was bedeutete, dass wir unsere Kreativität durch Malerei und handwerkliche Tätigkeiten entwickeln konnten. Im Nachhinein ist mir klar, dass das genau das widerspiegelt, was ich heute mache, obwohl es dazwischen Jahre gab, in denen es in dieser Art von Praxis Lücken gab. Aber wenn ich zurückblicke, glaube ich, dass mich das schon in sehr jungen Jahren geprägt hat.

Erinnerst du dich an das, was du als dein erstes substanzielles „Kunstwerk“ bezeichnen würdest?
Nicht wirklich. Als Kind hatte ich nie die Vorstellung, dass ich per se Künstler werden wollte oder dass ich überhaupt Kunst machen würde. Es gab keinen Kontakt zu dem, was man als Kunstwelt bezeichnen könnte, oder gar das Wissen darüber, was eine Galerie ist. Aber was von Anfang an immer bestand, war das Bedürfnis, mit meinen Händen zu schaffen.

Hast du jemals die Möglichkeit eines alternativen Berufes in Betracht gezogen?
Soweit ich mich erinnere, gab es nie etwas anderes. Ich glaube eher, dass ich sowohl bewusst als auch unbewusst Entscheidungen getroffen habe, die mich allmählich auf diesen Weg gebracht haben, zum Beispiel durch die Wahl eines ästhetischen Programms auf dem Gymnasium.

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Du absolvierst derzeit deinen MFA an der sehr renommierten Royal Institute of Art in Stockholm, wo wir dieses Interview führen. Welche Erfahrungen hast du hier gemacht?
Dieser große Reiz, eine Kunstschule wie diese zu besuchen, ist meiner Meinung nach etwas, das in erster Linie existiert, bevor man dorthin kommt. Ich denke, dass einige der Ideen und Erwartungen, die man im Hinblick auf eine Art Grandeur im Sinn hat, werden während des Studiums mit der Zeit realistischer. Die Tatsache, dass man hier ist, öffnet natürlich einige Türen, und man hat vielleicht von außen ein Auge auf dich in einem größeren Ausmaß als anderswo. 

Dein Atelier ist so ordentlich organisiert. Alles sieht so aufgeräumt aus, und du hast sogar deine eigenen hölzernen Aufbewahrungs- und Archivschränke gebaut, die für mich sehr kompliziert aussehen. Ich kann mir vorstellen, dass es ein großer Vorteil ist, auf diese Weise geschickt und unabhängig zu sein.
Ich habe den großen Wunsch, unabhängig zu sein und so viel wie möglich selbst zu tun und für meine unmittelbaren Bedürfnisse nicht mehr als nötig von anderen abhängig zu sein. Ich baue gerne meine eigenen Rahmen, und ich habe einige der Möbel, die du im Atelier siehst, selbst hergestellt. Ich glaube, dass dies mit meinem Wunsch zusammenhängt, den kreativen Prozess zu erleichtern und ihn reibungslos und frei von zeitlichen und finanziellen Zwängen ablaufen zu lassen, zumindest soweit es andere betrifft. Ich habe wirklich Freude an der Handarbeit, für mich macht sie Spaß, und in der Tat hat es sich auch als finanzielle Ressource erwiesen, wenn es darum geht, anderen bei ihren Aufgaben zu helfen.

In deinen frühen Arbeiten waren Pflanzen und Vegetation sowohl sehr offensichtliche als auch lebendige Motive. Woher kam dieses Interesse?
Ich glaube nicht, dass es in diesen Werken eine besondere Absicht gab, ein solches Interesse zu vermitteln, es kam darauf an, dass ich die von mir im Malprozess erzeugte Energie kanalisieren und reflektieren wollte. Als eine sehr strukturierte und kontrollierte Person versuche ich, Systeme und Strukturen zu finden, die meine Malerei leiten. Ich bin weder ein bloßer figurativer noch ein abstrakter Maler, aber ich möchte etwas Greifbares, von dem ich abweichen kann, und zwar dadurch, dass ich mich bemühe, in ein bestimmtes Reich der Bilder zu gelangen. Ich habe einige Jahre lang viel analog fotografiert und begann, Holz zu bemalen, das ich fotografiert hatte. Ich war jedoch nicht glücklich mit der Art und Weise, wie sich meine Malerei auf gerade Linien beschränkte, anstatt auf fließende, organischere Formen. Ein Freund von mir hatte eine Kiste mit alten fotografischen Dias mit Bildern von einer Bananenplantage auf Gran Canaria gefunden; ich mochte die organischen Formen, die von den Bildern geprägt waren und die es mir ermöglichten, mich zu verzweigen und meine Malerei zu entwickeln. 

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Gibt es häufige Missverständnisse über deine Arbeit, die du gerne ansprechen möchtest?
Ich glaube nicht, dass es etwas Bestimmtes gibt, das mir bekannt ist. Aber etwas, das mir in den Sinn kommt, ist diese Sache, dass Menschen oft „etwas“ in der Malerei sehen wollen. Ein Wunsch, dass das Darstellende mit einer gewissen Unmittelbarkeit erscheint, die ich durchaus verstehe, die aber einschränkend sein kann. Für mich geht es eigentlich weniger um das Dargestellte, sondern mehr um das Bild selbst. Ich interessiere mich mehr für die Pinselstriche auf der Leinwand und für die Farben als für das endgültige Motiv.

Du gehörst zu den jungen aufstrebenden Künstlern in Schweden, die schon sehr früh große Aufmerksamkeit und Sichtbarkeit erhalten haben und sogar noch während deiner Ausbildung an der Kunstschule von einer großen Galerie, der Galerie Forsblom, vertreten werden. Welchen Druck hat das auf dich ausgeübt?
Da die Schule ein so offener Ort ist, an dem man ohne Rücksicht auf die Außenwelt wachsen und sich entwickeln kann, war ich vielleicht ein wenig besorgt, dass all das die Freiheit beeinträchtigen könnte, die man in diesem Stadium zu genießen erwartet, obwohl ich das Gefühl habe, dass dies nicht der Fall ist. Es ist jedoch eine Tatsache, dass die Auseinandersetzung und der Kontakt mit der kommerziellen Kunstwelt bedeuten, dass Überlegungen, die nicht sein sollten, in dein Atelier gebracht werden. Aber im Moment fühle ich mich sehr entspannt. 

Als du 2018 deine erste Einzelausstellung mit der Galerie Forsblom in Stockholm präsentiertest, war es offensichtlich, dass sich die Richtung zu visuell strengen Kompositionen verschoben hatte, ein Fest der Farben und Werke, die sogar mit Süßigkeiten verglichen wurden. Erzähle uns mehr über diesen Aufbruch zu etwas Abstrakterem.
Alles kehrt zu diesem Streben zurück, weiterzulernen und in meiner Malerei voranzukommen. Ich denke oft, dass es beim Malen um Freude gehen sollte, denn wenn das nicht der Fall ist, fehlt mir etwas. Ich glaube, ich bin an dem Punkt angelangt, an dem die Arbeiten, die ich mit Pflanzen gemacht habe, mir zwar Freiheit ließen, mir aber auch insofern eine Einschränkung auferlegten, als sie nach Fertigstellung eines Werkes nicht mehr viel Raum für Veränderungen ließen. Also begann ich mit der Ausarbeitung eines Prozesses, in dem kompositorische Schichten aufgebaut werden konnten, während sie ständig verändert und erweitert wurden. Ich wollte auch Farben freier ausprobieren und einen neuen visuellen Bereich finden, der als Ausgangspunkt dienen sollte.

Hast du eine bestimmte Philosophie über Farben, die du teilen könntest?
Nicht wirklich, aber ich würde sagen, dass ich eine echte Begeisterung erlebe, mit Farben zu arbeiten und ein Gleichgewicht zwischen ihnen zu finden, sogar in Kombinationen, die so seltsam und ungewöhnlich sind, wie ich sie nur machen kann. Ich skizziere viel mit Farbstiften und dabei komme ich zu merkwürdigen Kombinationen, die ich später versuche auf mein Gemälde zu übertragen und in mein Bild zu integrieren. Und wenn das passiert, entsteht ein Bedürfnis der Anpassung und Modifizierung, also ist das alles in gewisser Weise ein organisches Spiel mit Farben.

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Etwas, das deine Oberflächen charakterisiert, ist die Textur und Materialität der Farbe selbst mit dem gelegentlichen schweren Impasto, der ein taktiles Element hinzufügt. Man kann sozusagen die Energie, von der du gesprochen hast, und die schnellen Bewegungen erkennen. In jüngerer Zeit finden sich in deinen Werken auch Texte und schriftliche Äußerungen. Was bedeutet dieser Ansatz?
Für mich ist das noch recht neu. Es geht wieder einmal darum, ein Element zu finden, das im Atelier eine gewisse Freude und Auftrieb bringt; etwas, das sich für das Gemälde durch neue Formen oder Richtungen eignet. Infolgedessen habe ich begonnen, Text in meine Malerei zu integrieren. Dennoch sind für mich die Textfragmente nicht von primärer Natur. Das mag paradox klingen, denn die Worte tragen eine Bedeutung und schreiben dem Bild etwas Konkretes und Unmittelbares zu, das man sofort erfassen kann. Derzeit versuche ich noch, für mich selbst zu formulieren, welche Bedeutung der Text in meiner Arbeit hat. Vor Kurzem habe ich versucht, mich von den Worten wegzubewegen, nur um dann festzustellen, dass ich sie wirklich haben wollte.

Wie wählst du die Worte? Ich denke an Wörter, die ich schon einmal gesehen habe und hier sehe, wie „Faster Harder“, „Teaser“, „Sports“ und „Hets“. Das sind alles starke, aktive und physische Wörter.
Vieles hat mit der Form der eigentlichen Wörter und der Buchstaben zu tun und welche Möglichkeiten sie mit sich bringen. Manche Wörter kommen einfach zu mir. Diese Woche war sehr stressig, und so habe ich mich dabei ertappt, wie ich eine Unmenge von kleineren Bildern gemalt habe, auf denen „Stress“ oder „Knas“ steht. Auf einem anderen steht „Thrasher“, und bei diesem wollte ich eigentlich überhaupt keinen Text, aber ich habe immer weiter gemalt und gemalt, und es war so frustrierend, das Gefühl zu haben, dass ich gegen mich selbst arbeitete. Am Ende wurde dieses ein „Thrasher“, denn so habe ich mich in diesem Moment gefühlt. 

Du hast kürzlich eine Einzelausstellung mit der Galerie Forsblom in Helsinki eröffnet, und eine unglückliche Wendung der Ereignisse mit einem Wasserleck führte dazu, dass die Galerie nach nur einer Woche geschlossen wurde. Für einen solchen Perfektionisten, wie du es zu sein scheinst, muss dies unvorstellbar frustrierend gewesen sein, wie es in der Tat für jeden sein würde. Wie hast du auf diese Beschränkung deines kontrollierten kreativen Umfelds reagiert?
Ich war ruhiger, als man vielleicht denken würde. Wenn man mit einer kommerziellen Galerie arbeitet und eine Ausstellung präsentiert, bereitet man all diese Arbeit vor, aber wenn sie erst einmal installiert ist, gibt es einen Punkt, an dem man die Verantwortung abgibt. Unter solchen Umständen gibt es niemanden, dem man die Schuld zuschieben kann, oder Ärger darüber, wer „Scheiße gebaut“ haben könnte. Es ist nur ein Fall von unvorhergesehenen Störungen, ein bisschen traurig, aber was kann man tun? Letzten Endes kann immer eine Lösung gefunden werden.

Du hast die Arbeiten für deine MFA-Absolventenausstellung Ende 2019 abgeschlossen. Was könntest du uns abschließend über das, was du präsentiert hast, sagen?
Die Ausstellung hieß En lång dag är över (Ein langer Tag ist zu Ende gegangen). Ich kann sagen, dass ich für die Ausstellung einige Arbeiten gemacht habe, die nicht ganz so aussehen wie Arbeiten, die ich bisher gemacht habe. Sie stellen eine Reaktion auf die Arbeiten dar, die ich bis vor Kurzem gemacht habe. Ich habe das Gefühl, dass meine Arbeit an einem Punkt angelangt ist, an der sie visuell sehr aufregend, ansprechend und akribisch aussieht. Das war für mich in meiner Praxis und beim Lernen sehr lohnend und wertvoll, aber das ist nicht wirklich der Punkt, an dem ich sein möchte. Also habe ich bei den Arbeiten in der Abschlussausstellung versucht, viel mehr Punkhaftigkeit in sie hineinzubringen. Man könnte meinen, dass ich sie absichtlich düsterer und „hässlicher“ gemacht haben, noch während ich die für mich wichtige malerische Technik und Haptik weiterentwickelt habe.

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Interview: Ashik Zaman
Fotos: Maria-Corina Wahlin

Links: Johannes Hägglund's website Galerie Forsblom Helsinki

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