Für viele steht künstliche Intelligenz für Unberechenbarkeit und Chaos. Nastassja Abel und Christian Otto sehen das ganz anders. Das Münchner Duo nutzt KI als kreatives Werkzeug und macht deren inhärente Zufälligkeit zum Herzstück seiner Praxis. Im Gespräch sprechen sie über ihren gemeinsamen Weg, das tägliche Ritual des Bildermachens und die Frage, was Geschmack mit Autorenschaft zu tun hat.
Christian, Nastassja, wie würdet ihr eure Praxis jemandem beschreiben, der euch zum ersten Mal begegnet?
C: Wir erschaffen experimentelle visuelle Arbeit mit neuen Technologien, wobei KI eine zentrale Rolle spielt. Es ist eine Art Mixed-Media-Praxis. Wir gehen immer intuitiv vor – über Gefühl, nicht über Konzept.
N: Wir lieben es, mit Chaos zu arbeiten. Wir stehen nicht auf diese Art von polierter, perfekter Schönheit, die jedem gefällt. Wir mögen es unvollkommen, rau, manchmal seltsam.
Woher kommt eure Faszination für das Abstrakte und Unklare?
N: Als ich fünf oder sechs Jahre alt war, fühlte ich mich von Malerei angezogen, besonders von Abstraktion und der Arbeit mit Farbe. Ich habe immer nach Bildern gesucht, die ich nicht sofort erklären konnte – die ein Geheimnis bewahren.
C: Als ich jünger war, sammelte ich immer Bilder, machte Moodboards und suchte nach Visuals, die etwas in mir auslösten. Ich wollte ein Gefühl hervorrufen, nicht erklären. Das zieht sich bis heute durch unsere Arbeit.
Wie habt ihr euch gefunden, und was hat euch dazu gebracht, gemeinsam ein Studio zu gründen?
C: Wir hatten bereits viele Jahre zusammengearbeitet, hauptsächlich in der Verlags- und Buchcovergestaltung. Visuelle Arbeit war immer ein Teil davon, aber wir wollten mehr Freiheit – Dinge machen, bei denen niemand sagt, was das Ergebnis sein soll.
N: Es ging ums Ausprobieren. Wir spürten den Drang, mehr künstlerische Arbeit zu machen – Dinge, die wir noch nicht getan hatten, Dinge, bei denen wir uns nicht sicher waren, ob sie überhaupt funktionieren würden. Dieses Gefühl der Unsicherheit war eigentlich motivierend.
Was hat euch dazu gebracht, Art Every Day zu starten, eure fortlaufende Serie täglicher visueller Experimente auf Instagram, die jetzt seit fast 1.400 Tagen läuft?
N: Ich glaube, jede kreative Person kennt das Grübeln. Es kann sehr frustrierend sein. Also haben wir uns einen einfachen Rahmen gesetzt: jeden Tag etwas machen und es veröffentlichen – egal was. Das hat den Druck rausgenommen.
C: Wir haben festgestellt, dass es eigentlich schwieriger sein kann, in langen Zyklen zu arbeiten – etwas machen, dann lange pausieren, infrage stellen, wieder von vorne anfangen. Die tägliche Praxis zwingt einen zur Unmittelbarkeit. Man lernt schneller, weil man nicht aufhört.
Wie entfaltet sich euer Prozess – von der ersten Idee bis zum fertigen Werk?
C: Meistens arbeiten wir zusammen. Bei der Art Every Day-Serie erstellt manchmal Nastassja die Bilder und ich mache das Postprocessing, oder umgekehrt. Am Ende schauen wir es uns immer gemeinsam an.
N: Manchmal schauen wir auch zurück auf das, was wir bereits gemacht haben. Es ist wichtig, die Arbeit später noch einmal anzusehen, weil man sie anders wahrnimmt. Man entdeckt Dinge, die man beim Machen gar nicht gesehen hat.
Könnt ihr beschreiben, wie ihr konkret eine neue Arbeit erstellt?
C: Wir beginnen normalerweise damit, eine große Anzahl von Bildern zu generieren. Wichtig ist, dass uns dabei etwas überrascht – wir suchen nicht nach dem, was wir erwarten.
N: Unsere Referenzen kommen selten direkt aus der Kunstwelt. Es geht mehr um Atmosphäre, Texturen, Dinge am Rand. Eine bestimmte Stimmung, ein Gefühl – das ist es, wonach wir suchen.
C: Von vielen Outputs bleiben nur wenige übrig. Die Arbeit beginnt mit der Auswahl – zu entscheiden, was bleibt und was nicht.
N: Von dort aus entwickeln wir die Bilder weiter. Wir passen Farben an, arbeiten mit Textur, Licht, Schatten, kombinieren manchmal mehrere Bilder. Es ist ein sehr handwerklicher Prozess, auch wenn das Ausgangsmaterial digital ist.
C: Das meiste, womit wir beginnen, ist KI-generiert. Manchmal verwenden wir Bilder von Mitarbeitenden. Aber das finale Werk entsteht immer durch unsere Entscheidungen – was wir auswählen, wie wir es verändern, wie wir es zusammensetzen.
Wie navigiert ihr zwischen Kontrolle und Unberechenbarkeit beim Arbeiten mit KI?
C: Wir beginnen meistens damit, Bilder zu generieren, und was dabei wirklich wichtig ist: Outputs zu bekommen, die uns überraschen. Dinge, die wir so nicht erwartet hätten. Das Chaotische an KI ist das, was uns am meisten fasziniert.
N: Es geht oft ums Anpassen von Farben, Arbeiten mit Texturen, Schatten und Licht – darum, die interessantesten Teile eines Bildes zu finden und weiterzuentwickeln.
Könnt ihr ein Beispiel nennen, bei dem euch etwas überrascht und die Arbeit in eine neue Richtung gelenkt hat?
N: Vor ein paar Tagen hatten wir ein Bild einer Frau, die sich selbst umarmte. Es war sehr minimalistisch, aber es stellte sich heraus, dass sie drei Arme hatte.
C: Man könnte den dritten Arm einfach entfernen.
N: Aber genau das macht es für uns interessant. Es öffnet so viele Fragen: Umarmt sie sich selbst – oder vielleicht jemand anderen? Ist es eine Art Schutz? Die Unvollkommenheit schafft Bedeutung.
Eure Arbeit zeichnet sich durch einen sehr charakteristischen visuellen Stil aus. Wie gelingt es euch, die KI in Schach zu halten und dabei trotzdem offen für Überraschungen zu bleiben?
C: Wir experimentieren viel mit Prompts und verschiedenen Ansätzen, sodass die Ergebnisse in unterschiedliche Richtungen kippen können. Es ist ein bisschen wie Kochen: Man kann dieselben Zutaten nehmen und trotzdem völlig verschiedene Gerichte bekommen.
N: Es ist nicht wie ChatGPT, wo die KI deine Persönlichkeit lernt und dir immer etwas Passendes liefert. Wir wollen nicht, dass sie uns kennt. Wir wollen Reibung.
C: Wir haben inzwischen Erfahrung gesammelt, sodass wir den Prozess in eine bestimmte Richtung lenken können. Es ist eine feine Balance – nicht zu viel Kontrolle, aber auch nicht völliges Chaos.
Welche Künstlerinnen und Künstler haben eure Vorstellung vom Bildermachen beeinflusst?
C: Aus konzeptueller Sicht inspiriert uns der deutsche Maler Georg Baselitz, der seine Figuren bekanntlich auf den Kopf malt. Nicht wegen des Tricks an sich, sondern wegen der dahintersteckenden Idee: Wenn man die Orientierung wegnimmt, schaut man anders. Man sieht das Bild, nicht die Geschichte.
N: Und auch Gerhard Richter, der einmal sagte: „Die Mona Lisa ist gut, weil ich sie nicht verstehe“ – das ist etwas, dem wir uns sehr verbunden fühlen.
Was erhofft ihr euch, dass das Publikum sieht oder fühlt, wenn es auf eure Arbeit trifft?
C: Wir mögen es wirklich, wenn Betrachtende etwas sehen, das wir selbst nicht gesehen haben.
N: Wir hören oft, dass es Menschen an einen Traum erinnert, an einen bestimmten Moment, eine Person oder ein Gefühl. Es gibt so viele Projektionsflächen in unserer Arbeit – und das ist genau das, was wir wollen.
Wie erlebt ihr die Skepsis gegenüber KI-basierter Kunst, die nach wie vor vorherrscht, und wie begegnet ihr ihr?
C: Am Anfang gab es definitiv mehr Skepsis, aber das ändert sich, je mehr Menschen KI in ihrem Alltag nutzen. Die Frage ist nicht mehr ob, sondern wie.
N: Wenn man zwei Menschen dieselbe Kamera an denselben Ort gibt, werden die Ergebnisse völlig unterschiedlich sein – es kommt auf die Erfahrung, den Blick und den Geschmack an. Mit KI ist es genauso. Das Werkzeug ist nicht die Arbeit.
C: Jede neue Technologie – auch in der Kunstgeschichte – ist auf Widerstand gestoßen. Als Farbtuben eingeführt wurden, sagten manche Kritiker, das würde die Malerei zerstören. Es hat sie befreit. KI ist nicht anders.
KI wird oft vorgeworfen, unethisch zu sein, da sie auf bestehenden Inhalten aufbaut und die Grenzen zwischen Eigentumsrechten und Autorenschaft verwischt. Wie geht ihr mit diesen Bedenken um?
C: Wir nehmen diese Kritik sehr ernst. Gleichzeitig sind diese Fragen nicht ganz neu. Jedes neue Medium hat Fragen über Autorenschaft und Originalität aufgeworfen. Was sich verändert, ist die Geschwindigkeit und der Maßstab.
N: Für uns ist die zentrale Frage: Wer trifft die Entscheidungen? KI kann Bilder generieren, aber das ist nicht die Arbeit. Die Arbeit beginnt mit Auswahl, Urteil, Bedeutung. Das sind immer noch wir.
C: KI erweitert das Mögliche, produziert aber auch eine Menge. Das meiste davon ist nicht relevant. Geschmack lässt sich nicht generieren! Was zählt, ist, was man auswählt, was man behält und was man verwirft. Diese Verantwortung liegt nicht bei der KI.
N: Die Urheberrechtsfrage ist real und noch ungelöst. Es braucht klarere Strukturen, die Künstlerinnen und Künstler schützen, ohne den Zugang zu neuen Werkzeugen zu versperren. Beides muss möglich sein.
C: Der ökologische Aspekt spielt ebenfalls eine Rolle. Diese Systeme haben einen Fußabdruck. Das ist Teil eines größeren Problems rund um digitale Infrastruktur – nicht nur KI, sondern Streaming, Datenspeicherung, alles.
Als eure Arbeit den digitalen Raum verließ – mit Ausstellungen in Hongkong, Zürich und Miami allein im Jahr 2026 –, wie hat sich das angefühlt, Bilder im physischen Raum zu sehen?
N: Wenn man Arbeit auf dem Handy sieht, ist das immer dieses kleine, begrenzte Format. Es ist schön, aber es ist auch sehr anders, wenn man vor einem großen Druck steht. Der Maßstab verändert alles – die Energie, die Wirkung, die Details, die man plötzlich sieht.
C: In einem Ausstellungsraum fällt Licht auf eine bestimmte Weise auf die Bilder, und die Arbeit fühlt sich anders an als auf einem Bildschirm. Es ist eine andere Art, die Arbeit zu erleben – körperlicher, präsenter.
Ihr habt auch beim Coachella Festival Arbeit gezeigt, was sich sehr von einem traditionellen Galerieraum unterscheidet – besonders mitten in der Wüste. Wie war diese Erfahrung?
N: Bei Coachella hatten wir eine Installation namens OASIS – eine kreisförmige Struktur von etwa 21 Metern Länge, auf der unsere Videoarbeit gezeigt wurde. Es war technisch anspruchsvoll, in dieser Umgebung zu arbeiten: die Hitze, der Sand, die extreme Helligkeit tagsüber.
C: Aber was wirklich interessant war, ist, wie die Menschen damit interagierten. Man konnte sich in der Mitte dieser „Oase“ hinsetzen, umgeben von der Arbeit und gleichzeitig vom Festivallärm und der Energie. Es war ein ganz anderer Kontext – aber die Arbeit hat sich behauptet.
Welche Projekte oder Ideen entwickelt ihr gerade, und wie könnten sie sich in den nächsten Monaten entfalten?
C: Im Moment planen wir einige Drops für die nächsten Monate. Wir denken darüber nach, wie wir einige unserer experimentelleren Arbeiten in physische Editionen übersetzen können – Dinge, die wirklich als Objekte existieren und nicht nur als Bildschirmbilder.
N: Wir wollen mehr Editionen und Werke schaffen, die Menschen in ihren Häusern haben können – Dinge, die an einer Wand, in einem physischen Raum, in einem Alltag existieren können.
C: Es geht nicht nur darum, während des Prozesses zu experimentieren, sondern auch darum, mit dem Output und dem Medium selbst zu experimentieren. Wie verändert sich Arbeit, wenn sie gedruckt, gerahmt, in einen Raum gestellt wird? Das ist die Frage, die uns gerade beschäftigt.
Text: Anton Isiukov
Fotos: Dirk Bruniecki
