Nacktes Frühstück, Kaffee und Zigaretten, ein träges Erwachen und zerwühlte Betten – der amerikanische Künstler Logan T. Sibrel erkundet intime Momente, vor allem von Männern, und lädt die Betrachter zum Zuschauen ein. Es besteht keine Gefahr von Blickkontakt, da seine Motive oft wegschauen, unscharf oder nur angeschnitten sind. Zwischen der sich ergebenden Intimität und der gleichzeitigen Entfremdung möchte Sibrel den Betrachtern die Möglichkeit geben, ihre eigenen Erfahrungen zu projizieren.

Da wir uns einen Tag vor deiner Abreise nach Griechenland für deine Ausstellung treffen, bin ich neugierig: Beendest du deine Werke normalerweise weit im Voraus oder stellst du oft alles erst kurz vor der Eröffnung fertig?
Normalerweise bin ich ziemlich gut darin, Dinge weit im Voraus zu erledigen. Wenn ich weiß, dass eine Ausstellung ansteht, setze ich mir in meinem Kopf oft eine Frist, die etwa zwei Monate vor der tatsächlichen Frist liegt.

Könntest du uns mehr über diese Ausstellung erzählen?
Die Ausstellung in der Eleftheria Tseliou Gallery in Athen heißt SILVER PLATTER. Es ist das erste Mal, dass ich dort ausstelle, und mein erster Besuch in Athen. Die Ausstellung hat ziemlich viele Stillleben, aber die Stillleben werden fast wie Porträts behandelt. Es gibt auch figurative Werke, aber irgendwie haben die Stillleben mehr Persönlichkeit. Die Objekte werden zu einer Art Collage einer Person, während die Werke mit Figuren die Figur eher wie ein Objekt behandeln. Es ist so, als würde man die beiden Rollen vertauschen. 

Gleichzeitig sind deine Werke derzeit in zwei Gemeinschaftsausstellungen zu sehen – Hot Spell bei Auxier Kline in New York City, wo du lebst, aber auch Wish You Were Queer im Museum im Prediger in Schwäbisch Gmünd in Deutschland. Was ist der Hintergrund für deine vielen Ausstellungen in Deutschland?
Ich habe am Anfang mehr in Deutschland ausgestellt, weil ich einen wirklich guten alten Freund habe, Nils Reinke-Dieker, der eigentlich Austauschschüler an meiner Highschool war und schließlich ein talentierter Grafik- und Ausstellungsdesigner wurde. Wir arbeiten jetzt schon seit mehreren Jahren zusammen, zuerst im MOM Art Space in Hamburg, was mir geholfen hat, dort Fuß zu fassen. Ich glaube, dass es vor allem in Deutschland eine gewisse Verbindung zu meiner Art der Figuration gibt – vielleicht weil einige meiner frühen Einflüsse deutsche expressionistische Maler waren. Es könnte also eine unbewusste Verbindung oder eine gemeinsame Sensibilität geben. Seit etwa fünf Jahren stelle ich in der Galerie Thomas Fuchs in Stuttgart und bei Auxier Kline in New York aus. Es ist lustig, denn ich bin schon seit 16 Jahren hier in New York, aber erst in den letzten Jahren habe ich angefangen, mehr in meiner Heimat auszustellen.

Wie hat deine Reise mit der Kunst angefangen?
Ich komme aus einer kleinen Stadt im Süden von Indiana und sage meinen Freunden oft, dass ich mich aufgrund meiner Kindheit nie langweile. Es ist ein Ort mit nur wenigen offensichtlichen Unterhaltungsmöglichkeiten. Ich habe die meiste Zeit in der Natur verbracht oder gezeichnet, und das war so ziemlich alles, was ich gemacht habe. Ich finde es wichtig, schon in jungen Jahren herauszufinden, wofür man bekannt ist, und ich war immer als das Kind bekannt, das gerne zeichnet. Ich habe mich schon ziemlich früh geoutet, aber ich konnte zeichnen, und diese Besonderheit schien immer andere Probleme auszugleichen, die ich sonst vielleicht gehabt hätte – es war ungefähr so: „Na ja, er ist schwul, aber immerhin kann er zeichnen.“ Ich liebte das Zeichnen, aber es wurde auch zu einer Möglichkeit, eine Identität zu entwickeln. Es war wie meine Rüstung.

Hat deine Familie dich unterstützt? 
Alle in meiner Familie waren immer beeindruckt von meinen Zeichnungen und Gemälden. Sie haben mich sehr unterstützt – vielleicht wussten sie nicht immer, wie sie mich fördern konnten, aber sie haben alles getan, was sie konnten. Wenn ich Malutensilien brauchte, sagten sie immer: „Ja, nur zu!“ Sie haben mich nie aufgehalten. Ich hatte immer genug Freiheit und war keinem Druck ausgesetzt. Seltsamerweise haben sie mir auch nie vorgeschlagen, mir einen alternativen Karriereweg zu suchen.

Du hast mal gesagt, dass deine katholische Erziehung einen großen Einfluss auf deine Kunst hatte und dass du erkennen kannst, welche anderen Künstler ähnliche Erfahrungen gemacht haben?
Durch meine katholische Erziehung kam ich zum ersten Mal mit viel bildender Kunst in Berührung, weil es außerhalb des religiösen Kontexts nicht viel Kultur gab. Wir gingen jedes Wochenende in die Kirche, und ich saß einfach da und starrte die Gemälde an. Ich prägte mir den Erzählbogen ein, all diese Kreuzwegstationen, betrachtete die Buntglasfenster und all das. Wenn ich sage, dass man einen anderen Katholiken immer erkennen kann, meine ich, dass man eine Ästhetik in sich aufnimmt, die im Grunde genommen einfach westliche Kunstgeschichte ist. Aber es gibt eine bestimmte kompositorische und narrative Struktur, die ziemlich unverkennbar ist. Mir fällt sogar auf, dass viele meiner Malerfreunde, die katholisch aufgewachsen sind, ihre Werke oft in einem fast triptychonartigen Stil aufhängen, die Werke sind ziemlich zentriert und frontal und ein wenig dramatisch. Das fällt mir immer auf.

Wann tauchte die queere Erzählung zum ersten Mal in deiner künstlerischen Praxis auf?
Ich habe schon während der Highschool immer gearbeitet, aber eher, um einfach etwas zu tun zu haben. Es gab keinen klaren roten Faden. Zu Beginn meines Studiums wurde ich in den Bachelor of Fine Arts (BFA)-Studiengang an der Indiana University aufgenommen, wo man uns wie Masterstudenten behandelte, und ich glaube, da habe ich zum ersten Mal bemerkt, dass die Arbeiten der anderen, im Gegensatz zu meiner eigenen, ernsthaft und kohärent wirkten. In diesem Umfeld begann ich damit zu experimentieren, wie ich das selbst umsetzen könnte, und es kam ganz natürlich. Meine Arbeiten haben immer mehr oder weniger mein eigenes Leben mit einbezogen. Der queere Aspekt kam daher ins Spiel, weil er einfach ein Teil von mir ist.

In deinen Gemälden gibt es persönliche Darstellungen von dir, deinem Partner und deinen Freunden. Allerdings sind die Identitäten meist schwer zu erkennen, da die Gesichter häufig verschwommen, abgeschnitten oder unvollständig sind. Wie bist du zu dieser künstlerischen Technik gekommen?
Ich denke, wenn ich meine Arbeiten anderen zeige und mit ihnen ins Gespräch kommen will, muss ich einen Zugang schaffen. Durch die Verschleierung der Figuren bleiben die Arbeiten für mich sehr persönlich und fangen etwas ein, das ich als bedeutsam empfinde, aber ich bestehe nicht darauf, dass der Betrachter genau dieselbe Erfahrung macht. Wenn ich die Bilder etwas anonymer oder verschleierter gestalte, kann sich der Betrachter etwas mehr darauf projizieren. Das ist also gleichzeitig egoistisch und respektvoll.

Wie reagieren die, die dir nahe stehen auf deine Kunstwerke, in denen sie vielleicht vorkommen?
Die Reaktionen waren gemischt. Ich finde das interessant, weil ich das Gefühl habe, dass ich immer dieses Gespräch mit den Leuten führe – wenn ich jemanden kennenlerne, kann ich fragen: „Ist es okay, wenn du darin vorkommst?“ Das wird wahrscheinlich passieren, wenn wir genug Zeit miteinander verbringen. Ich erinnere mich an meine erste Ausstellung in der Galerie Thomas Fuchs, wo mein Partner sich zum ersten Mal an fast jeder Wand sah. Für ihn war das zunächst eine etwas seltsame Erfahrung. Aber wenn ich Werke von Menschen schaffe, die ich kenne, sind das niemals grausame Darstellungen. Ich male sie, weil ich sie verehre und interessant finde, daher halte ich das für ziemlich zärtlich. Das hoffe ich jedenfalls. Es ist lustig, weil es diese wechselseitige Beziehung gibt, in der ein Gemälde für den Betrachter sehr persönlich oder sehr intim wirken kann. Aber manchmal brauche ich einfach nur ein Modell – es geht nicht speziell um uns oder um die spezifische Person. Es ist einfach jemand, den ich brauche, also geht es eigentlich schon um die Person, aber konzeptionell gesehen eben auch nicht.

Ich würde annehmen, dass ein großer Teil deiner Recherche für deine Kunstwerke aus Beobachtung und in gewisser Weise aus Voyeurismus besteht. Wie sieht dieser Prozess aus?
Ich versuche, die Art und Weise, wie ich meine Bilder beschaffe, zu verändern. Lange Zeit habe ich Bilder aus den sozialen Medien bezogen und war so etwas wie ein Instagram-Stalker. In letzter Zeit arbeite ich hauptsächlich mit meinen eigenen Fotos – ich mache Fotos, wenn mich etwas beeindruckt, und versuche, bei der Sammlung von Referenzbildern etwas passiver zu sein. Ich mache einfach eine Menge Bilder und vertraue darauf, dass etwas davon funktionieren wird. Ich versuche, nicht so bewusst vorzugehen; ich möchte nichts inszenieren. Ich möchte es einfach auf mich zukommen lassen. Ich bin mir meiner Arbeitsweise und meiner künstlerischen Nische sehr bewusst. Einerseits fühle ich mich so präsent und im Moment, weil ich auf jedes kleine Detail achte und in allem Potenzial sehe. Andererseits ist man nie ganz präsent, weil man immer auf der Suche nach etwas ist. Es ist ein interessanter Spannungsbogen, von dort aus zu arbeiten. 

Deine Werke enthalten oft „Bilder in den Bildern”, wie Fotos, Zeitschriften- oder Buchcover, Handy- oder Laptop-Bildschirme. Welche Rolle spielen diese Einfügungen?
Früher habe ich viele Jahre lang mit Collagen gearbeitet. Ich habe im wahrsten Sinne des Wortes eine Karte konstruiert, die dann zum Gemälde wurde. Irgendwann hatte ich das Gefühl, dass das zu einer Sackgasse wurde – sehr formelhaft und irgendwie langweilig. Sobald man seine Standardbewegungen erkennt, wird es ein bisschen öde. Ich finde, dass ich durch die Einbindung von Bildern wie Platten- und Buchcovern in meine Werke immer noch Collagen schaffe, mit mehreren Bildebenen, aber im realen Raum. Das kann als Anspielung oder Gesprächsstoff dienen. Wenn ein bestimmter Schriftsteller im Hintergrund versteckt ist, kann das dem Bild eine andere Richtung geben. Manchmal ist es nur ein Stillleben, aber mit Marquis de Sade (französischer Schriftsteller und Philosoph) im Hintergrund, was eine zusätzliche Bedeutungsebene oder eine kleine Wendung hinzufügt. Ich denke, das ist eine Möglichkeit, den Bildern mehrere Richtigungen zu geben, wie sie beim Betrachter ankommen und interpretiert werden können.

Was denkst du, wenn du deine Werke in Situationen siehst, wofür sie eigentlich nicht geschaffen wurden, zum Beispiel wenn sie im Internet und in sozialen Medien geteilt werden?
Wenn man etwas schafft, hat man natürlich meist eine Vorstellung davon, wie das ideale Betrachtungsszenario oder der ideale Betrachter aussehen würde. Gleichzeitig scherze ich mit meinen Freunden, dass ich eine Art Reptilienmutter bin – ich mache mir hauptsächlich Gedanken darüber, während ich es schaffe. Wenn ich meine Arbeit erledigt habe, muss ich das einfach abschalten. Je älter ich werde, desto mehr habe ich das Gefühl, dass das der einfachste Weg ist, um weiter zu arbeiten und mich nicht zu sehr an ein einzelnes Werk zu binden. Ich habe bis jetzt Tausende von Werken geschaffen. So kann ich eine wirklich gute Beziehung zu einem Werk aufbauen, während ich es schaffe. Was auch immer danach mit dem Werk passiert, ich habe ein Bild davon, eine Erinnerung daran, wie ich es geschaffen habe. Ich habe alle Recherchen, die in die Bilder eingeflossen sind. Ich habe meine Erfahrung, was es bedeutet und was es für mich war. Und das ist alles, was wirklich mir gehört.

Korrigiere mich, wenn ich da falsch liege, aber sind deine Werke sind in den letzten Jahren farbenfroher geworden?
Ich glaube, sie sind etwas farbenfroher geworden, weil ich mir endlich mehr Materialien leisten konnte (lacht). Ich habe das Buch But I'm Different im Jahr 2022 in Deutschland gemacht, und während dieses Prozesses, als ich all die Bilder und Thumbnails sah, hatte ich einen Moment der Panik – weil ich es zum ersten Mal aus dieser Art von Vogelperspektive sah und dachte: „Alle Farben sehen gleich aus.“ Mit Farben verhält es sich genauso wie mit Collagen: Wenn man etwas lange genug benutzt, kommt man an einen Punkt, an dem man denkt: „Okay, das könnte ich mit geschlossenen Augen machen.“ Manchmal ist es also einfach ein schönes Problem, sich selbst eine neue Farbe auszudenken, die die Dinge auf seltsame Weise verändern könnte. Eine kleine Aufgabe.

Was möchtest du in naher Zukunft noch ausprobieren? 
Normalerweise arbeite ich mit kleinen bis mittelgroßen Flächen, aber momentan habe ich. mir zur Aufgabe gemacht, riesige Gemälde zu schaffen und sie dabei wie kleine zu behandeln. Die Komposition bleibt also dieselbe, wie ich sie für „kleine Werke“ verwenden würde.

Vielleicht wäre das ein schönes Format für eine Kirche?
Ja, es könnte potenziell ein Altar sein (lacht). 

Du baust oft Zeilen aus Liedern in deine Bilder ein, und auch die Titel deiner Werke beziehen sich auf bestimmte Musikstücke. Welche Rolle spielt Musik in deiner Kunst?
Musik ist ein wichtiger Teil meines Lebens. Als ich aufgewachsen bin, war Musik immer eine Kunstform, die sehr präsent war, daher hat sie mich schon früh beeinflusst. Heute bin ich ein großer Plattensammler – wenn ich auf Reisen bin, kaufe ich immer Platten aus Secondhand-Läden oder 99-Cent-Kisten in verschiedenen Städten, weil das Angebot so spezifisch für einen Ort ist. Ich höre immer Musik, während ich arbeite, und mir ist bewusst, wie verschiedene Musikrichtungen oder Künstler meine Arbeit beeinflussen können. Manchmal nenne ich es einen Cardio-Tag – man muss einfach alles sehr schnell erledigen, also habe ich dafür einen bestimmten Soundtrack. Andere Male möchte ich nachdenklicher sein, dafür gibt es einen anderen Soundtrack. Die meisten Titel meiner Ausstellungen und die Titel einzelner Werke stammen von Songs, die ich während der Arbeit gehört habe.

Ich weiß, dass du auch eine eigene Band namens Sister Pact hast. Überschneidet sich das mit deiner künstlerischen Praxis oder ist das ein völlig separates Medium?
Es ist ein Raum, in dem ich Ideen umsetzen kann, die vielleicht nicht ganz in meine Malerei passen, aber trotzdem relevant sind oder die ich einfach nicht aufgeben will. Sister Pact gibt es seit 2014, gemeinsam mit meinem Freund Omar Afzaal. Wir hatten die Regel, dass wir nur dort spielen, wo wir eingeladen wurden, also haben wir, wie du dir vorstellen kannst, nicht sehr oft live gespielt. Aber wir betreiben die Band weiterhin, und ich habe in letzter Zeit immer wieder hier und da an ein paar Sachen gearbeitet. Ich mag es, weil es bei meiner bildenden Kunst einen festen Zeitplan und bevorstehende Ausstellungen gibt, sodass man sehr diszipliniert sein muss. Die Musik ist schön, weil es null Druck und keine Deadlines gibt. Es ist irgendwie nah an dem, was ich mache, aber es ist nur zum Spaß.

Hilft dir deine Kunst, Antworten über dich selbst zu finden, oder wirft sie nur noch mehr Fragen auf?
Ich bin der Meinung, dass ich, wenn ich mich mit Kunst, Musik oder Literatur beschäftige, noch verwirrter werden möchte. Ich mache das nicht, um Klarheit zu gewinnen. Die visuellen Kunstwerke, die ich mag, sind niemals didaktisch, sie wollen keine Lektion erteilen. Künstler, die das versuchen, schrecken mich eher ab. Viele meiner Arbeiten stammen ganz klar aus meinem eigenen Leben – dieser Ansatz ermöglicht ein gewisses Maß an Selbstreflexion und Selbstbewusstsein. Aber ich glaube nicht, dass ich dadurch jemals Antworten gefunden oder irgendetwas gelöst habe. Manchmal schaue ich mir Bilder oder Arbeiten von vor fünf oder zehn Jahren an und denke: „So war das also – das macht Sinn!“ Aber ich glaube nicht, dass mir das im Moment jemals geholfen hat. Ein echtes Problem, das ich kulturell sehe, ist, dass jeder glaubt, die Antwort zu kennen, und jeder so sicher ist, was seine Meinung zu allem angeht. Ich finde es eigentlich schlauer und cooler, zu sagen: „Ich weiß es nicht“, sich mehr Sachen anzuschauen und alles noch komplizierter zu machen.

Text: Anton Isiukov
Fotos: Katharina Poblotzki